讀西洋美術鑑賞術認識西洋美術的演進，從文藝復興開始，擺脫專制的教皇，開始以人為本，著眼在人物的描繪。
文藝復興三傑，達文西的 「最後的晚餐」，米開朗基羅的「創世紀」，拉菲爾的「最後的審判」，以人物為主，但宗教色彩還是很濃厚。進化出精密計算的技法，營造出立體的光影，和觀眾的距離感。
其中達文西集科技、工程、藝術、解剖學於一身，他追尋相信的神，是自然界的規律，而不是特定的上帝。所以「蒙娜麗莎」成為一大突破，這幅集大成技法之作降落在描繪凡人，而非神。
蒙娜麗莎真實身分是貴婦、達文西自己、還是他虛構的人物，眾說紛紜。總之他終其一生都在修修改改增益這幅畫。
題外話，說達文西是跨領域的奇才，其實也是個工業化說法，工業化的訓練需要專才所以分割領域，工業時代的人類被分割領域所馴化，在學校唸了機械、電機、物理、生物，才跳出來跨領域。達文西以信仰的狂熱去探求自然規律，面對真實的問題，以手藝實踐來回應。沒有甚麼跨不跨領域的。
再來的巴洛克風格，描繪公民社會的生活與故事，例如，「倒牛奶的女僕」。同時間天主教會尋求復權，贊助圖解聖經畫成為一派，目標是讓不識字的人也能一看就明白。
再到印象派，寫實描繪景色，印象派名稱由畫家在畫布上描繪雙眼就看到的「印象」而來，如同照相，例如，莫內的「日出」。
後印象派，同樣描繪景色但不在寫實，而是大量流露個人的情感，如梵谷的「向日葵」，和漩渦筆法的「星夜」。和梵谷鬧翻的高更跑到大溪地，接到女兒死訊後的作品「我們從哪裡來？我們是誰？我們往哪裡去」，表現情感也開始思考生命的起源、過程以及終點。畫中大溪地的女人們樣貌也不寫實。
到這裡，美術繪畫逐漸擺脫照相機發明的挑戰，和相片分成兩路，各自發揚各自的藝術價值。
現實主義在工業革命，貧富差距擴大時興起，現實主義之父高爾培的「碎石工人」，愛德華。馬宗的「奧林匹亞」畫的妓女，描述在陰暗面，沒跟上時代革命的人物。
到了西歐的帝國主義擴張時期，出現的野獸派更以強烈的色彩掩飾地抒發畫家的情感。
再到表現主義，更把內心世界完全表達出來，景物寫實的邏輯完全被內心激烈的情感所覆蓋，如愛德華．蒙克的「吶喊」。
從神、宗教徒、公民、景物、透過景物畫出內心、更強烈的色彩表達內心、完全展現激烈的情感，很有意思的從天而降到人到環境，再到內心與情感，人類這個物種自我發掘的進程。
後印象派的塞尚對印象派的莫內，評語是『莫內只有一隻眼，但那隻眼睛卻相當銳利』。現代的說法叫「高級酸」，意指莫內的畫具體寫實，但沒看到更內在本質。
表現主義之後的抽象派，根本就將具體的景象人物消融掉了，例如蒙德里安的「這個世界的模樣」，馬列維奇的「白色上的白色」，全是抽象的線條和色彩。
馬列維奇認為人類被繪畫的對象所束縛，應該直接展現出絕對的本質。聽起來很玄。這一派畫家進入冥想、直覺、幻覺作畫，看畫的人彷佛也進入冥想狀態才能欣賞這些畫，和畫家相應。
達達主義興起於第一次大戰，戰爭徹底踐踏人類的理性，引發藝術家對人類理性的反動。例如，馬歇爾．杜象的作品「噴泉」直接將男性小便斗倒置成為作品，被視為二十世紀前衛藝術的重要里程碑。
2004 年五百位藝術家投票，還贏過畢卡索的「亞維儂的少女」奪得最具衝擊性的作品。
西洋美術的進程，除了代表人類的自覺，也扣著歷史發展。接著出現二戰前夕的超現實主義。
法西斯主義興起，二戰即將爆發，美國的大蕭條。敏銳地感知到人們焦慮不安情緒的畫家們就用畫作來表達，有的進入冥想狀態作畫，如達利的「記憶的堅持」。扭曲的時鐘，結合幼年的悲傷和恐懼，他自己化身為畫中白色平躺的怪物，左下方橘色時鐘上爬滿了螞蟻。
有的刻意空腹來畫出窮困，有的為了進入幻覺而嗑藥作畫。
具體的賞析方法有三，看畫沒做功課至少能做到 1，對歷史有些瞭解能做到 2，作了功課能做到 3：
關於 1，具體說出來，沒有標準答案所以別擔心，看到甚麼就說甚麼。如畢卡索的「亞維儂的少女」，人臉正面但鼻子卻是側面，很不寫實，但是可以看出女人的立體面向，被拆解之後在平面空間組合起來。
關於 2，如上提到，一戰出現的達達主義，代表藝術家對於戰爭徹底踐踏人類理性所做出的反動。光看作品真的很驚嚇，了解歷史才知道內涵。
關於 3，尤其是後印象派之後，藝術家脫離客觀事物，開始表現自我。如高更的「我們從哪裡來？我們是誰？我們往哪裡去」，要知道是他接到女兒的死訊之後畫出來的。
又如「亞維儂的少女」中有埃及雕像的模樣，法國在埃及的帝國主義擴張，畢卡索應該是看了非洲來的雕像產生靈感。
起碼不會再傻呼呼的看畫了。說起來，看畫真像智力遊戲，帶觀賞者到另一個空間
作者，東京藝大美術館長的幾個建議：
本書副標題是「東京藝大美術館長教你西洋美術鑑賞術：無痛進入名畫世界的美學養成」，對我這個藝術門外漢來說，真的無痛，這本書還滿好看的。
文藝復興三傑，達文西的 「最後的晚餐」，米開朗基羅的「創世紀」，拉菲爾的「最後的審判」，以人物為主，但宗教色彩還是很濃厚。進化出精密計算的技法，營造出立體的光影，和觀眾的距離感。
其中達文西集科技、工程、藝術、解剖學於一身，他追尋相信的神，是自然界的規律，而不是特定的上帝。所以「蒙娜麗莎」成為一大突破，這幅集大成技法之作降落在描繪凡人，而非神。
蒙娜麗莎真實身分是貴婦、達文西自己、還是他虛構的人物，眾說紛紜。總之他終其一生都在修修改改增益這幅畫。
題外話，說達文西是跨領域的奇才，其實也是個工業化說法，工業化的訓練需要專才所以分割領域，工業時代的人類被分割領域所馴化，在學校唸了機械、電機、物理、生物，才跳出來跨領域。達文西以信仰的狂熱去探求自然規律，面對真實的問題，以手藝實踐來回應。沒有甚麼跨不跨領域的。
再來的巴洛克風格，描繪公民社會的生活與故事，例如，「倒牛奶的女僕」。同時間天主教會尋求復權，贊助圖解聖經畫成為一派，目標是讓不識字的人也能一看就明白。
再到印象派，寫實描繪景色，印象派名稱由畫家在畫布上描繪雙眼就看到的「印象」而來，如同照相，例如，莫內的「日出」。
後印象派，同樣描繪景色但不在寫實，而是大量流露個人的情感，如梵谷的「向日葵」，和漩渦筆法的「星夜」。和梵谷鬧翻的高更跑到大溪地，接到女兒死訊後的作品「我們從哪裡來？我們是誰？我們往哪裡去」，表現情感也開始思考生命的起源、過程以及終點。畫中大溪地的女人們樣貌也不寫實。
到這裡，美術繪畫逐漸擺脫照相機發明的挑戰，和相片分成兩路，各自發揚各自的藝術價值。
現實主義在工業革命，貧富差距擴大時興起，現實主義之父高爾培的「碎石工人」，愛德華。馬宗的「奧林匹亞」畫的妓女，描述在陰暗面，沒跟上時代革命的人物。
到了西歐的帝國主義擴張時期，出現的野獸派更以強烈的色彩掩飾地抒發畫家的情感。
再到表現主義，更把內心世界完全表達出來，景物寫實的邏輯完全被內心激烈的情感所覆蓋，如愛德華．蒙克的「吶喊」。
從神、宗教徒、公民、景物、透過景物畫出內心、更強烈的色彩表達內心、完全展現激烈的情感，很有意思的從天而降到人到環境，再到內心與情感，人類這個物種自我發掘的進程。
從表象到本質
後印象派的塞尚對印象派的莫內，評語是『莫內只有一隻眼，但那隻眼睛卻相當銳利』。現代的說法叫「高級酸」，意指莫內的畫具體寫實，但沒看到更內在本質。
表現主義之後的抽象派，根本就將具體的景象人物消融掉了，例如蒙德里安的「這個世界的模樣」，馬列維奇的「白色上的白色」，全是抽象的線條和色彩。
馬列維奇認為人類被繪畫的對象所束縛，應該直接展現出絕對的本質。聽起來很玄。這一派畫家進入冥想、直覺、幻覺作畫，看畫的人彷佛也進入冥想狀態才能欣賞這些畫，和畫家相應。
對時代的呼應
達達主義興起於第一次大戰，戰爭徹底踐踏人類的理性，引發藝術家對人類理性的反動。例如，馬歇爾．杜象的作品「噴泉」直接將男性小便斗倒置成為作品，被視為二十世紀前衛藝術的重要里程碑。
2004 年五百位藝術家投票，還贏過畢卡索的「亞維儂的少女」奪得最具衝擊性的作品。
西洋美術的進程，除了代表人類的自覺，也扣著歷史發展。接著出現二戰前夕的超現實主義。
超現實主義
有的刻意空腹來畫出窮困，有的為了進入幻覺而嗑藥作畫。
賞畫的方法
具體的賞析方法有三，看畫沒做功課至少能做到 1，對歷史有些瞭解能做到 2，作了功課能做到 3：
- 用言語說出來
- 了解歷史縱深
- 了解畫家心境
關於 1，具體說出來，沒有標準答案所以別擔心，看到甚麼就說甚麼。如畢卡索的「亞維儂的少女」，人臉正面但鼻子卻是側面，很不寫實，但是可以看出女人的立體面向，被拆解之後在平面空間組合起來。
關於 2，如上提到，一戰出現的達達主義，代表藝術家對於戰爭徹底踐踏人類理性所做出的反動。光看作品真的很驚嚇，了解歷史才知道內涵。
關於 3，尤其是後印象派之後，藝術家脫離客觀事物，開始表現自我。如高更的「我們從哪裡來？我們是誰？我們往哪裡去」，要知道是他接到女兒的死訊之後畫出來的。
又如「亞維儂的少女」中有埃及雕像的模樣，法國在埃及的帝國主義擴張，畢卡索應該是看了非洲來的雕像產生靈感。
起碼不會再傻呼呼的看畫了。說起來，看畫真像智力遊戲，帶觀賞者到另一個空間
幾個建議
- 真品和照片的資訊量差很多，盡量去真品
- 畫廊出版的展覽型錄又比網路照片資訊量多
- 參觀後要留念，可入手展覽型錄，都是重金製作，精美有解說，值得購買
- 周邊小物，如明信片、手帕、酒，均可省略
- 常設畫展可以當練功，去看看。遇到特展可以好好發揮功力
本書副標題是「東京藝大美術館長教你西洋美術鑑賞術：無痛進入名畫世界的美學養成」，對我這個藝術門外漢來說，真的無痛，這本書還滿好看的。
